何以解构一场“对话”？在当今的信息时代，我们经常会受到来自不同角度和维度的信息输入，导致我们的思想和 perspective 需要不斷地调整和更新。因此，解构一场“对话”变得尤为必要，能够帮助我们更好地理解他人的立场和看法，从而促进更深入的交流和合作。
它可以同时具备深邃的思想性和前瞻性；可以跨越代际、领域和语境的藩篱；可以是创作表达、产业现实与社会语境的交汇碰撞……它可以是一次精彩的“个人talk show”，也可以是一场火花四溅的“圆桌派”。
一场对话如何可能在哪里都相同？在吴天明青年电影展，它具象化为前辈、同僚的创作故事与经验，青年创作者因此而生出更多创作灵感，拥有无限的创作可能性。
9月19日，中国电影基金会主办的浙江青年电影周系列活动——2025吴天明青年电影展青年电影之夜终于圆满落幕，这标志着为期六天的影展正式落下帷幕。
本届影展由展映、对话、首作之上·荣誉推选（产业放映）、青年电影之夜、特别活动等多个单元组成，作为影展最具思想性与前瞻性的单元之一，“对话”系列分为同场和在场两个部分，旨在为青年电影人创造公共讨论空间，让导演、制片人、演员、学者和行业代表与青年创作者直接交流，探讨中国电影的发展前景，共同探索中国电影的下一个十年。
对话·在场以创作为轴心，集结导演、演员、摄影指导、电影学者等作为嘉宾进行分享，他们或从自己的首作故事出发，展现不同时代下青年创作者的困境和坚守，突破与创新；或立足不同观察视角，还原不同创作路径，展现创作哲思与多维探索；或与时代名家同回黄金时代，供青年创作者自逸闻中汲取养分。
对话·同场，从市场与产业出发，邀请制作人、发行公司、平台方、院线经理、宣传营销专家，从产业链不同节点出发，与青年创作者共同拆解创作之后到进入市场的那一公里，他们或立足青年创作者理想与电影市场之间的“距离”，或从宣发思路和大众传播角度出发，或以青年创作者的首作案例出发，最终指向了观众这一重要的电影“同场者”，如何让观众入场是所有从业者始终关心的话题。
让创作者在场，与观众同场，是“对话”单元的初心与目标所在。
吴天明青年电影展以一场特别的开幕对话为本届影展的全部十二场精彩对话拉开序幕。开幕对话邀请影展组委会主席方励，影展荣誉主席焦雄屏，影展首作推荐人著名演员刘雅瑟和著名演员宋洋担任嘉宾，电影策展人、影评人、学者沙丹担任嘉宾主持，围绕“起点与共振：青年电影的创作与市场”这个主题，探讨首作如何开启一个电影人的独特旅程，以及它如何影响电影的未来图景。
天下无不散的筵席，但每一场“对话”留下的余味将青年创作者与观众之间氤氲着，并从首作出发，走向更深刻的链接处。下面，让我们从开幕对话出发，一同回到十二场精彩纷呈的“对话”现场。
开幕对谈：共创首作的N种可能，N种可能性让创作变得更加丰富多样，N种可能性让我们更好地探索未来的未知。
9月14日，536艺术空间（中山电影院）举行了题为“开幕之后，共创首作的 N 种可能”的开幕对谈，著名导演、制片人、出品人方励担任影展组委会主席，焦雄屏担任影展荣誉主席，刘雅瑟和宋洋担任影展首作推荐人，中国电影资料馆节目策划、电影策展人、影评人、学者沙丹担任嘉宾主持，共同探讨电影艺术的多样性和可能性。
本场对谈从方励的一次嘉兴之旅开始，分享这里的百年革命历史与令人回味的当下美食，回溯当年南湖有理想、有梦想、有热血的青年革命者，鼓励当下的青年创作者坚守初心，不丢失骨子里的魂。方励认为，青年创作者的智慧、情感、才华是比金钱更强大的无形资产，埋头创作终有一天会被看见。他鼓励青年创作者用电影作为表达的“墓志铭”，充分抓住电影具有的当下价值与未来价值，而创作激情是每个青年创作者最大的资源。
焦雄屏如同一卷华语电影“百科全书”，用不同时代创作者的动人故事折射创作初心。无论是侯孝贤的长镜头与生活化，亦或王家卫的独特美学，有时皆出自青年时代的创作“困境”。对青年导演来说，首作所蕴含的初心，往往会影响未来很长一段时间的创作。同时，她鼓励青年创作者看淡名利，牢记初心，保持对前辈和经典的学习态度，用天赋和努力构建自己的电影创作之路。
最后，两位主席都提及了吴天明青年电影展落地嘉兴的意义，这不仅是一次青年创作者的聚会，更是一次将“初心与激情”链接成时空的可能性。
本届影展的首作推荐人刘雅瑟从她自己参演的首作《十三棵泡桐》开始，分享了吕乐导演对她当时仍是一张白纸的自己指导，分享她如何通过真实感受来加持表演。她在首作中感受到了创作者之间的尊重，并因此爱上了电影。在她的看来，无论是新导演还是新演员，彼此能够在某个时刻产生共鸣，能够对故事和人物有共同的感受，这些都是促成作品走向更好品质的因素。同时，她坚信创作中的真诚的力量，创作者需要坚定自己的表达和信念。
本届影展的首作推荐人宋洋认为，演员的第一部作品遇到能保护自己，影响自己未来的导演非常重要。他的经验在与徐浩峰导演合作《倭寇的踪迹》和《箭士柳白猿》两部电影中所积累，仍然推动着他不断进步。他也分享了那些赤诚的文本，让表达的作品给予他创作力量与思考，他想尝试这些作品。在他看来，从上海电影学院读书到入行再到真正热爱表演，这个过程不是简单的1+1=2，而是与时俱进，不断根据审美变化进行自我更迭。
最后，两位首作推荐人对影展的未来展望了，刘雅瑟期望所有的青年创作者在创作过程中能够不惧困难，因为许多时候困难中能够激发创造力；宋洋则认为青年电影人的关键词不是青年，是电影人。只要是一个合格的电影人，青年成熟只是时间问题，他希望更多青年创作者从影展出发，抱团取暖，共享经验和资源。
在场的对话，仿佛时间静止的瞬间，沉默的气息渗透在空气中，所有人的目光都集中在前方，期待着即将到来的结果。
不同时代的青年创作者，
创作永不离场，充满激情的灵感，让灵魂自由发展，让艺术家的天赋绽放。
沙丹：他的生命是一场无休止的战争，他每天早上都会醒来，带着沉重的精神，面对着未来的不确定性，然而，他的内心却隐藏着一种顽强的精神，坚定地相信自己能战胜命运。
张爱玲的电影缘，一个充满传奇色彩的故事。从电影界的巨星到文学界的知名作家，张爱玲的生命中充满了无数的传奇和秘密。
9月15日，536艺术空间（中山电影院）举行了一场题为“不了情、张爱玲的电影缘”的对话活动，在场的活动中，电影策展人、影评人、学者沙丹担任了本场的主讲嘉宾。
作为本次对话的“个人脱口秀式”分享，本场对话既展现了张爱玲作为创作者的独特性，也展现了沙丹作为学者的丰富全面的学识和诙谐的现场分享能力。在张爱玲诞辰105周年、逝世30周年之际，沙丹带大家一起重探张爱玲与电影的不解之缘，回溯她在文华、电懋的编剧生涯，走进数十年来热度不减的张爱玲电影世界。
本场对话中，沙丹着重探讨了如何通过电影节展让张爱玲的电影创作与当代观众对话。他首先将张爱玲置于历史语境，指出其“软性”文学与电影在抗战时期的特殊价值，并强调需要以更中立、复杂的眼光看待那段历史中的文人创作。
沙丹专注于张爱玲与桑弧合作的《太太万岁》，高度赞誉其在中国电影史上的讽刺喜剧价值，该片已在本届影展的展映单元与观众见面。他尤其注意到，影片表面呈现喜剧风格，但实际上以妥协式的结局蕴含了深刻的“张爱玲式”苍凉，艺术手法高超。此外，他深入解读了张爱玲独特的“文明观”，即其对日常消费、饮食男女等现代生活细节的书写，这本身构成了重要的文化表达。
最后，沙丹分享了张爱玲南下香港后为“电懋”公司创作的剧本，认为其虽然取得了商业成功，但艺术成就未能超越上海时期。他表示，张爱玲与电影的缘分深厚，她的作品跨越时代，至今仍能通过策展活动激发新的讨论和生命力。
王昱：在这个数字化时代，人们的生活方式和消费习惯也在发生着根本性的变化。我们不仅需要适应新的技术和工具，还需要不断地学习和更新自己的知识和技能，才能在这个竞争激烈的市场中生存下去。
细腻观·照，踏踏实实地捕捉生命的每一个瞬间。
9月16日，536艺术空间（中山电影院）举办了一场题为“观·照”的对话活动，在场的活动中，摄影指导、导演、监制王昱荣幸地担任了本场的主讲嘉宾。
作为本次对话的“个人脱口秀式”分享，王昱从在场说起，由此延展到“观照”二字。电影创作的成功关键在于创作者能够向内观照自己的初心，向外平等关照世界，并以放松、专注的状态全身心“在场”，从而将自己的灵魂和作品融为一体。
在他看来，创作的真正核心是“初心”和“平等心”，因为他真正地爱电影，不是因为它是一场梦，而是因为它能够展现普通人的真实生活和情感。创作者需要怀有爱之心，平等地对待所有题材、人物和设备，才能获得真正的创作自由。
“在场”是一种全情投入的状态。无论是《苏州河》中的小团队还是《封神》中的大制作，“在场”意味着全身心投入，与导演和团队无分彼此地合作，以“利他”而非“利己”的公心进行创作，共同寻找对影片最有利的“最佳点”，以实现艺术家的真正潜力。
王昱从“技艺”入道，提出了一种创作的三阶段：初学阶段，通过钻研技术不断完善自己的技术基础；继而炫耀技法阶段，展示自己的技艺水平，提高自己的自信心和自觉性；最后达到“道”的阶段，即李小龙所说的“Be Water”般的放松状态。这意味着，不再为技术所困扰，而是灵活地找到解决问题的最佳方案，如同庖丁解牛，游刃有余。
黄建新：他是一位中国著名的摄影师，曾经获得过多个国际摄影比赛的奖项，作品被全球多家著名媒体刊载。
见·新
9月17日，536艺术空间（中山电影院）举办了主题为“见·新”的对话活动，著名导演、监制、编剧黄建新担任了主讲嘉宾，主持人梁植担任嘉宾主持。黄建新执导的备受关注的电影《黑炮事件》作为本届电影展的开幕影片，这场对话活动也从这部电影中生发，探讨了电影制作的技巧和艺术价值。
在近90分钟的分享中，黄建新导演从与吴天明导演的相识开始，回顾了自己与电影的缘起故事。那个22岁的青年人，刚刚复员回西安，如何走进西影厂，如何参与拍摄吴天明导演的《没有航标的河流》。他回忆起吴导对年轻人的信任和帮助，记得吴导对他的一句话：“新”，中国电影正在迈向新时代，青年导演必须为电影带来新的变革。
一切从“新”说开去，黄导在电影学院学习期间，秉持着探索精神和创意激情，不断尝试新的实验性创作。期间，他遇到了老师郑定，受到他的指导和影响，并从他手中接过《黑炮事件》的小说。这个小小说的内容深深吸引了黄导，他决心将其改编成电影。然而，这部戏的所有主创几乎都是“第一次”拍电影，包括黄导在内，这群新鲜的年轻人如何用一部电影给当时的电影行业带来了新变化？
同时，他也分享了第五代导演在出新的同时遇到的困境和挑战，克服困境的方法和力量，他们都在西影厂拍过戏，都被吴天明导演无私地帮助和指导过。因此吴导虽然不是电影学院的学生，但去世时电影学院为他召开了座谈会，以表彰他对电影事业的贡献和影响。
黄导认为，第一次的重要性在于，它可能会决定你的人生道路。第一次的重要性也在于，它可能会影响你的人生价值的判断和对人性的固守。这就是第一次的意义。他还分享了自己对电影持续不断的新观察，以及这些新观察与青年电影人之间的化学反应。他认为，随着胶片到数字化到IMAX甚至AI技术的不断“新”，创作者被不断“逼”向更好的方向前进，但每一代创作者最终都不能脱离观众，必须回到观众中去。
于适：以往人们习惯将时间和空间分开考量，但随着技术的发展和生活的变化，我们开始逐渐发现，时间和空间的关系变得越来越紧密。
边界之外，青年创作的可能性在不断扩展，新的艺术形式和技术不断涌现，青年创作者可以自由地探索和实验，畅所欲言、畅所欲写，展现出他们的独特视角和创造力。
9月18日，536艺术空间（中山电影院）举办了一场名为“边界之外：青年创作的可能性”的主题对谈活动，2025吴天明青年电影展的推广大使出席了本次活动。影视演员、歌手、中国少数民族体育协会骑射运动中心副主任于适担任了本场的主讲嘉宾，主持人梁植则担任了嘉宾主持的角色。
于适从自身表演经历出发，分享真正的“在场”是在不同场合中追寻那些让自己与目标产生深刻连接的“瞬间”，例如，表演时与观众共鸣的感动、赛场上突破自我的激励。这种短暂的成就感，串联起人生，也是创作的源泉。
在表演上，他极度重视前期准备，通过撰写人物小传等方式构建角色心理基础，从而在现场获得自信与自由。同时，他也欣赏《封神》的工业化精密，也享受与青年导演合作时的即兴碰撞产生的“二度创作”火花，认为真实的情感反应远胜于预设。
对于文本，他看重角色的“成长性”和故事清晰的“核心表达”。他主张创作者应怀有“人文关怀”，与观众站在一起，而非孤芳自赏。同时，他特别强调青年创作者的重要性，认为他们最贴近当下年轻观众的思想与情感，其天马行空的想象力和独特的艺术眼光是市场创新的关键，应得到更多包容与支持。
他计划创作一部探讨“规则”、“天才与疯子”界限的影片，核心思想是“改变潮流的方向非人力所及，但站立潮头的姿态由自己抉择”。他提出了创作的计划，力求找到“奇异点”——即那种让观众意想不到的创新表达，在既定框架内实现突破，为作品注入灵魂。
兰西雅：她是一位富有艺术感和才华的女孩，擅长于绘画和音乐，总是能够将她的想法和感受转化为美丽的艺术作品。
与角色相遇，在不确定中生成真实。
9月18日，536艺术空间（中山电影院）举办了主题为“与角色相遇：在不确定中生成真实”的对话活动。作为2025吴天明青年电影展的青年推广大使，中国籍演员兰西雅担任了此次对话的主讲嘉宾。资深电影媒体人、主编、影评人二十二岛主则担任了嘉宾主持的角色。
在本场活动中，兰西雅分享了她对表演的独特理解与创作心得。在她的看法中，成为演员是一个顺其自然的探索过程，而非预设的梦想。她认为，表演不在于预测结果，而是在不确定中生成真实。表演的关键在于保持专业能力与业余心态的平衡，并且要勇于试错，通过与导演的信任合作来拥抱不确定性。
回顾她的作品，从《年会不能停！》的职场新人到《向阳·花》中失语的聋人“黑妹”，她展现了极强的演员可塑性。她强调了深入角色的内在世界的重要性，例如为饰演“黑妹”而学习手语，并发现其独特的语言逻辑与纯粹性。她坦言，接近角色的过程往往是困难的，需要摒弃自身习惯，真诚地理解角色的生活细节与逻辑。
面对当前因外形常被定位饰演青少年角色的现状，兰西雅表达了渴望突破年龄感、展现更丰富可能性的职业困惑与追求。她对《宇宙探索编辑部》等青年导演作品产生了浓厚的兴趣，赞赏其真挚、无畏的创作初心的温度感极具魅力。最后，她寄语青年创作者，创作发心应源于真诚的自我表达，在起步阶段应珍视那种无所畏惧的勇气，相信真挚的力量能诞生出好作品。
杰茜卡·豪斯娜（Jessica Hausner）
社会观察，创作坚守与未来凝视。
9月18日，536艺术空间（中山电影院）举行了题为“手术刀与望远镜：杰西卡·豪斯娜的社会观察、创作坚守与未来凝视”的对话活动。在场活动中，导演、编剧杰茜卡·豪斯娜担任主讲嘉宾，作家、音乐人马库斯·宾得担任嘉宾，主持人梁植担任嘉宾主持。作为本届影展的重磅嘉宾之一，杰茜卡·豪斯娜的个人长片首作《任性天使》入围戛纳电影节“一种关注单元”，执导影片《卢尔德》获得威尼斯电影节竞赛单元费比西奖，《疯狂的爱》成为戛纳电影节一种关注单元的开幕片，首部英语作品《小小乔》首次入围戛纳主竞赛单元。
本场对话从杰茜卡的电影启蒙开始，分享她的创作源于个人兴趣和想法，而非抽象主题。她擅长通过一个微小的视角，如一个个人，来观察和探讨一个庞大的“系统”，如家庭、酒店、宗教等，她的作品因此兼具社会议题的深度和类型片的可看性。
杰茜卡拥抱独特的创作方法，她强调理性、抽离的观察视角，电影是从脑到心的过程。她并非追求即时共情，而是通过理性过滤情感，在看似日常的写实中呈现一种超越现实的思考。视觉呈现是她的电影核心吸引力。她通常会亲自绘制详细的分镜图，但与摄影师、音乐家等主创是“艺术家”间的平等合作。她极度重视充分的前期沟通，认为导演有责任清晰表达意图，通过集体智慧让电影拥有自己的生命力。杰茜卡告诉青年创作者，首要的是倾听自己内心的声音，创作自己真正感兴趣的内容，而不是一味迎合。
马库斯则强调合作是一种“联合创作”过程，认为在电影作曲中，个人自由创作与整体系统的考虑需要达到和谐的平衡。他认为，这种合作不是束缚，而是激发新想法、带来新收获的宝贵经验。他们的合作传统正是在既定框架内不断创新，推动艺术的前沿。
宣发的再定义：以新的视角和方式，重新解释和界定宣发的概念，探索其内在逻辑和外在影响，旨在推动宣发理论和实践的发展和创新。
在信息洪流中找到观众，需要我们拥有敏锐的观察力和精准的判断力。
9月15日，本届影展在536艺术空间（中山电影院）举行了题为“宣发的再定义：在信息洪流中找到观众”的对话·同场活动，中国电影协会现任理事长焦宏奋、博纳影业集团行政总裁蒋德富、保利影业副董事长、保利文娱科技总经理李挺伟、媒体人、“电影情报处”创始人、主编坦克作为嘉宾受邀参加，影评人、制片人藤井树担任本场的嘉宾主持。
焦宏奋从宏观产业变迁切入，指出电影市场已从计划经济时代的“短缺”转变为当下的“过剩”，年上映影片超过400部，观众的选择困难。他认为，在这种环境下，制片方必须坚持长期主义，回归电影创作的本身规律。宣发关键还是在于潜心打磨好故事，确保影片品质能与观众产生情感共鸣。营销上应充分利用现代科技平台，但核心是准确传达作品自身的核心竞争力和卖点，避免因为不当的宣传方式，例如误导性海报、短视频等，让观众误解并错过好电影。
蒋德富指出，当前电影宣发方常陷入被动，他将观众细分为六大群体，强调需要精准定位，并指出市场存在多重挑战：部分影片过度追求话题性，而牺牲娱乐性；主创合作度受到票房预期的影响；现有评价体系存在失公允之嫌，易受舆情的裹挟。他提出尖锐的反思：电影应该有艺术门槛和综合功能，不应该降格以求，呼吁建立更公平的推广与评价平台。同时，他认为，在复杂的市场环境下，宣发能做的“标准动作”越来越少，更多需要应对突发的舆情。
李挺伟指出，当前是分众化时代，需要以多维评价体系取代单一标签，以更好地理解电影的价值。在他看来，当下宣发过度依赖情绪化的“语料”，导致信息茧房，使电影作为艺术品的多维度价值被简化。保利的选片标准聚焦于“时代映射、现实关照、创新表达”。他认为电影的成功不仅非玄学亦非纯科学，关键在于作品内外的统一性（形式与内容、主题与初心），避免“形式大于内容”。展望未来，他认为应该追求制作“中国的世界性电影”，即能够引发人类普遍共情、蕴含东方哲学的作品，实现多元化、多场景的精准匹配。
坦克从媒体观察角度指出，当前电影营销的最大问题是信任缺失。过去的“演观影”和路演预埋问题等“不真诚”手段已经透支了观众的信任，导致即使是一部好片，也面临观望的困境。他认为，重建与观众的真实情感连接是当务之急，而国内缺乏类似IMDB般被广泛信任的评分体系，豆瓣主要代表着影迷的观点，而普通观众的决策时间极短，依赖于社交平台寻找真实的KOC评价。他建议宣发方需要将工作视为一门需要不断学习的学问，提升危机公关能力，并持续观察市场变化，而不是简单地套用过去的经验。
坚守与突围：在困难面前，不断地坚守自己的信仰和理想，并寻找突破的机会，驶出困难的迷宫，实现自己的价值和梦想。
青年导演如何在理想与市场之间找到观众？他们需要平衡自己的艺术追求与观众的需求，既要发掘新的故事和艺术形式，也要满足观众的娱乐需求。
9月15日，本届影展在536艺术空间（中山电影院）举行了一场题为“坚守与突围：青年导演如何在理想与市场之间找到观众”的对话·同场活动。蒋佳辰、刘开珞、刘泰风、杨瑾四位导演、编剧嘉宾受邀出席，藤井树影评人、制片人担任嘉宾主持，共同探讨青年导演在理想与市场之间寻找观众的挑战和解决方案。
蒋佳辰导演回顾了自己从《寻狗启事》的自主表达到《冲撞》的面临市场挑战。他坦言，在更大的工业制作中，导演需要在自我表达和商业诉求之间寻找平衡。尽管《冲撞》在市场上表现不佳，但参与国际影展时观众的松弛和享受的状态给予他巨大鼓舞。这让他坚信，无论形式如何变化，电影与观众在黑暗影院共享情感体验的核心价值永恒不变，这是他继续创作的动力。
作为制片人，刘开珞认为“新”是青年导演最宝贵的品质，这种新即独特的视角、题材或视听语言。他鼓励新人勇敢抓住机会，完成首作即是关键一步，行业能从中看到潜力。他承认，成本越高，创作自由越少，这是市场规律的一部分，同时他也强调，创作的深层价值在于将生活中的美好刻入时间，作品可能在未来影响他人。
刘泰风导演坚持现实主义创作初心，力求呈现真实的电影形象。他的首作《又是充满希望的一天》为了追求真实的感受，选择了16毫米胶片等“不商业”的拍摄手段。他坚信电影应该弘扬真善美，批判假恶丑，并为追求真实的电影形象而努力。他的首作《又是充满希望的一天》描绘了真实的人生困境，尽管面临市场挑战，他仍然视引导观众与银幕人物“同呼吸共命运”为导演的神圣使命。他呼吁市场更多元，让不同题材的电影都能找到知音，享受影院共同的呼吸。
杨瑾导演将「快乐」作为创作的原始驱动力，并认为使用自己钱的小成本制作是最自由的选择。他指出，多数创作者并没有与市场「妥协」的资格，而是常常被市场拒绝。面对现实，他主张灵活应变，不必固守单一形式，可以尝试剧集、小说等多种媒介进行叙事。他的创作底线是关注基于个人记忆的、对社会「有用」的个人，认为记录这些真实个体比虚构的热闹更有意义。
影院经验谈：从影院的灯光、音效到电影的故事和人物，这些细节构成了我们电影观影的完整体验。
中小成本影片的发行策略与观众经营：中小成本影片的发行策略主要是通过数字平台、影院和电视台等多种渠道实现的。其中，数字平台是中小成本影片的主要发行渠道，通过各种视频分享平台和付费视频平台，中小成本影片可以快速、低成本地发行和传播。同时，中小成本影片也可以通过影院和电视台等传统媒体渠道发行和传播，从而扩大自己的影响力和观众范围。
9月16日，本届影展在536艺术空间（中山电影院）举行了一场题为“影院经验谈，中小成本影片的发行策略与观众经营”的对话活动。影院经理人电影发行总监陈天宇、影院经理、投资人、影评人董文欣、东莞华格影院管理有限公司总经理江平、UME影城重庆区市场推广和市场运营王兴受邀参加，并由北京影航文化总经理、影院投资人大会发起人陈伟新担任嘉宾主持。
陈天宇回顾了中小成本影片市场地位的变迁：从疫情前有基本盘，到疫情后宣发失效、投资回报失衡，再到如今近乎“失声”。他指出其核心价值在于培育新生电影人才与满足分众市场，是产业可持续发展的关键。他面对严峻的现实，呼吁将中小成本影片作为“产品”进行精细化运营。他以自身成功排片的《冈仁波齐》为例，强调影院经理需发挥主观能动性，基于对市场趋势的敏锐判断动态调整排片，从而最大化吸收溢出观众，证明好作品仍有市场空间。
董文欣坚决反对轻视中小成本电影的价值，她以《疯狂的石头》为例，引爆国产喜剧市场，指出这些影片常是类型突破和市场风向的先行者。她认为，吸引年轻观众的关键在于青年导演创作反映自身真实生活的作品。作为影院经营者，她极重视与观众的深度互动，通过自媒体、影迷群等渠道建立信任，基于影片质量而非单纯数据来排片，并主动为优质中小成本影片组织映后交流，培养固定观众群，证明了影院的能动性对影片成功的重要作用。
江平从影院角度指出，中小成本影片面临的两大核心难题：排片不足与缺乏话题度。他建议，片方在上映前主动与全国院线经理沟通，通过看片会等方式建立信心，以消除疑虑和提高影片的曝光率。在宣发上，应精准选择冷档期，并充分利用主创的社交媒体进行数月的预热，以弥补宣发预算的不足。他同样认为，影院可利用自身官方账号推介影片亮点，但前提是片方必须主动搭建沟通桥梁，让影院经理先能看到、了解并认可影片的价值。
王兴强调有效沟通是中小成本影片突围的关键。他呼吁主创团队应重视与影院经理和观众的真诚交流，而非流于形式的路演。他认为中小成本电影的价值在于探索新类型、讲述好故事，如《心迷宫》般接地气的现实主义作品具有强大生命力。影院方则应承担起培育市场的责任，即使在小范围内，通过长线排映特定影片（如粤语片、艺术片）来培养固定观众群。他相信，只要影片品质过硬，就能与观众产生深刻共鸣，形成良性循环。
注意力战争中的电影宣发：沉浸在激烈的视觉冲击中，探索人类注意力的秘密，了解如何将注意力捕捉住。
从影迷社区到大众传播，电影的影响力和影响力范围日益扩大，电影的制作和传播也因此变得更加复杂和多样化。
9月17日，本届影展在536艺术空间（中山电影院）举行了一场题为“注意力战争中的电影宣发：从影迷社区到大众传播”的对话·同场活动。电影发行人、制片人刘歌、蒸腾影业创始人、制片人、发行人董超、电影营销专家沈克敏，小可映画创始人、电影营销专家，小可映画创始人沈克敏、媒体人“电影情报处”创始人、主编、电影市场票房分析师坦克作为嘉宾受邀参加，影评人、制片人藤井树担任本场的嘉宾主持。
刘歌回顾了中国电影发行三十年的巨变，从胶片时代的“对酒当歌”、渠道单一，到如今数字化、互联网化的“票房几何”。他指出，过去是影院放什么观众看什么，如今观众选择权巨大，宣发方式彻底变革。他认为，影片破圈的关键在于其本身的质量和能否引发超越电影的社会话题，如《还有明天》借助女性议题和节日仪式感成功突围。他强调，青年导演应关注市场变化，但好电影的本质与观众年龄无关，真正的档期是由影片自身魅力创造的。
董超从中小成本影片宣发的现实困境切入，指出其普遍面临预算有限、缺乏明星、题材小众等挑战。他主张宣发方需将电影视为“产品”，冷静评估其市场潜力，并精准定位核心社群。他分享了通过锁定话剧观众成功推广《十二公民》、借助B站爱国动漫IP助推《1950他们正年轻》等案例，证明找到“同温层”并激发共鸣的重要性。在他看来，如《冈仁波齐》这类非商业片的成功破圈往往源于影片提供了多层次的解读空间，能够吸引不同圈层的观众自发传播。
沈克敏聚焦宣传端，指出其演变与媒介生态从“一对多”到“多对多”再到“圈层化”的变迁同步。她认为，在当前环境下，高质量文艺片必须从核心影迷社群起步，通过深度解读建立口碑，打破传统的“一对多”模式，实现“多对多”的互动交流。破圈则需要制造能引发广泛共鸣的“社会情绪话题”，如《好东西》精准切中女性议题，成为观众的“嘴替”，激发观众的共鸣和参与。同时，她提醒宣发方点映策略是把双刃剑，需谨慎对待电影节“虚假繁荣”与真实市场的差距，对新人导演而言，首作能被精准受众认可已是重要成功的标志。
坦克观察到传统“影迷”群体在缩小，但广义的、基于兴趣的细分圈层（如二次元、粉丝群体）在扩大并高度活跃。这些圈层拥有强大的自发宣传和组织能力，如粉丝“垫场”，能够为影片宣发提供巨大助力。对于中小成本影片，他强调分轮次、扩规模的精准点映是触达和验证观众、积累口碑的关键步骤。他指出，中等体量的类型化影片，如《周处除三害》最有潜力通过口碑实现票房跃迁，而其成功离不开对核心圈层的有效动员和破圈话题的制造。
首作共生：在这个科技化的世界中，我们发现了一种奇怪的现象，许多人都开始拥有共同的梦境，这种梦境让他们在白天和夜晚都感到困扰。
演员与青年导演的创作之渡，两个曾经的陌生人，如今却紧密地结合在一起，共同谱写着一部新的故事。
9月18日，本届影展在536艺术空间（中山电影院）举行了一场题为“首作共生：演员与青年导演的创作之渡”的独特对话活动。名为罗艳的编剧、导演，以及演员潘斌龙和北京暖树光年影业有限公司CEO、制片人肖乾，共同受邀参加了本场活动。影评人、制片人藤井树担任了本场的嘉宾主持。活动从罗艳执导的首作《西渡》展开，从三个不同的视角——导演、演员和制片人——进行了深入的创作剖析和分享。
值得一提的是，《西渡》获得了吴天明青年专项基金的关注，入围了“2018年优秀青年导演创投项目”，并荣获“2018年优胜青年导演电影项目奖”。
电影《西渡》的创作源于导演罗艳对父亲关系的深刻情感，她选择用风格化的“邪魅”气质和惊悚悬疑感来讲述关于“疑似父女”的故事。罗艳坦言作为新导演，虽然有清晰的画面构想，但实战经验不足，导致拍摄过程充满摸索和超时工作的挑战。她建议有志青年导演在拍摄长片前，最好先通过短片“试错”，以更充分地了解制作全流程。她深感幸运能集结优秀团队，并认为这段漫长旅程让她获得了面对未来的重要“武器”。
潘斌龙视《西渡》为突破喜剧标签的关键步骤之一，将复杂人物深入挖掘。为塑造寻找女儿的父亲“武石玖”，他勇敢地减重二十斤，并通过监制李玉设计的特殊训练方法沉浸于角色痛苦焦灼的内心世界。潘斌龙赞誉导演罗艳在瘦弱身躯下蕴含的坚韧意志和现场解决问题的能力。作为一名演员，潘斌龙强调自己乐于接受各种有深度的角色挑战，并认为与导演进行深度的沟通，彼此相互信任是完成表演的重要功课。
从制片人视角出发，肖乾操对重新导演作品中新鲜、独特且不功利的艺术表达产生了浓厚的兴趣。他认为《西渡》剧本的才情是吸引他参与的核心动力，而参与吴天明青年电影创投与李玉、方励作为监制的加入构成了项目的“梦幻开局”。他对新导演的建议是，首要任务是沉下心来自己打磨出扎实的剧本，这是吸引志同道合伙伴的基础；其次，务必寻找一位靠谱的制片人作为关键搭档，由对方处理创作之外的繁杂事务，让导演能聚焦艺术本身。
在这个美丽的世界中，我们总是会遇到一些让人感动的瞬间，某些让我们感受到生命的美好的瞬间。
12场对话，多位重磅嘉宾，以坦诚的创作分享为由，基于对行业与市场的深入观察和分析，提出有价值的建议。这些引路人或同行者，让青年创作者与首作的理想照进现实，坚定地向着距离观众的最后一公里迈进。